Dort warten sie auf Fahrten, viele von ihnen schon ein Arbeitsleben lang. Die betonierte Fläche im Brachland neben dem Flughafen ist ein über die Jahre gewachsener Lebensraum, in dem zumeist migrantische Communitys aus dem Maghreb, aus Subsahara-Afrika, Osteuropa und Asien aufeinandertreffen und Essen, Musik, ihre Sorgen, Erfahrungen und nützliches Wissen miteinander teilen. Doch die Zukunft, nämlich die KI-basierte Fortbewegung, wirft schon ihren Schatten voraus, nicht zuletzt auf das eigene Dasein. Filmemacher Vadim Dumesh und die Handykameras der Fahrer*innen halten diesen fast schon dystopischen Ort fest. (mg)

in nichtfilmischen Medien realisierte Filmideen sowie Filme zu präsentieren, die in ihrer geplanten Form und zu ihrer geplanten Zeit ungesehen blieben. Eine Veranstaltung in Berlin (2023) und eine Buchveröffentlichung (2024) widmeten sich der behutsamen Annäherung an einzelne Projekte und reflektierten die Bedeutung von Primärmaterialien vor und nach dem Film. Ihre Zusammenführung als »Elements of a Latent Cinema« eröffnet einen Raum, um Fälle aus unterschiedlichen politischen Geografien und historischen Momenten in Beziehung zueinander zu betrachten und das Unsichtbare des Kinos unter anderen Vorzeichen als durch defizitorientierte Kategorien wie Scheitern, Verlust und Unvollständigkeit zu denken. Latenz markiert eine anhaltende Potenzialität der Dinge, ihren Zustand zu verändern, uns zu affizieren und in Bewegung zu versetzen. Die Beiträge von Film Undone bei der dokumentarfilmwoche hamburg befassen sich mit der Rolle von Staaten und ihren Institutionen bei der Verhinderung von Filmen. So stellt Olexii Kuchanskyi ihre Forschung über die Kyiv School of Popular Science Film vor, eine informelle Filmbewegung innerhalb des staatlichen Studios Kyivnaukfilm, deren Experimente in der Filmpädagogik und der institutionellen Reorganisation von den sowjetischen Behörden unterbunden wurden (11 Uhr). Nach der anschließenden Vorführung von ›Where Russia Ends‹ findet ein Gespräch mit Philipp Goll statt, der Recherchen für den Film durchgeführt hat. Tara Najd Ahmadi präsentiert den Film ›The Newborns‹ (13.30 Uhr), dessen »postponed spectatorship« sie im Kontext ihrer Forschung zur Nichtvollendung künstlerischer Arbeiten in revolutionären Zeiten bei einer Präsentation an der HFBK Hamburg am Vortag (22.4.) diskutiert. (Philip Widmann)

How to relate (to) a book – series #2: Film Undone
HFBK Hamburg DI 22.4. 17 Uhr

> Where Russia Ends

> The Newborns

> Buchvorstellung: Film Undone

> The Newborns

> Buchvorstellung: Film Undone

> Where Russia Ends

Nach 20 Jahren kehrt Kristina Konrad zurück nach Nicaragua, auf der Suche nach zwei Sandinista-Widerstandskämpferinnen, die sie in den 80er-Jahren nach dem Sturz der Somoza-Diktatur zu ihrer Rolle als Frauen im Freiheitskampf befragte. Damals euphorisiert von den Versprechen der Revolution und dem kollektiven Traum eines neuen Nicaragua, ist das Land geworden, wie es nie sein wollte – ganz normal korrupt, ganz normal neoliberal. In ihrer scharfsinnig-poetischen, obgleich einfühlsamen Art spürt Konrad gemeinsam mit ihren Protagonist*innen der Vergangenheit nach: der Frustration über das Scheitern der sozialistischen Utopie und dem, was von den revolutionären Ideen geblieben ist. (ek)

> Werkstattgespräch Kristina Konrad

> Cuando éramos felices y no lo sabíamos

> Diego

> Tempi Passati – Die Zeit, die bleibt

> Kristina Konrad im B-Movie: Fortführung der Positionsveranstaltung

›A Fidai Film‹ untersucht, wie die Bilder, die einst beschlagnahmt und in israelischen Archiven versteckt wurden, zu stummen Zeugen einer Geschichte der Enteignung werden. Aljafari setzt in einem kühnen Akt des filmischen Widerstands die visuelle Erinnerung an Palästina wieder neu zusammen und verwischt dabei die Grenzen zwischen Dokumentar- und Experimentalfilm. Die Wiederaneignung und Neuinterpretation der gestohlenen Bilder wird zu mehr als einer Erkundung der Vergangenheit: eine kreative Sabotage gegen das erzwungene Vergessen. (sas)

Carmen bewirtschaftet allein das Land ihrer Familie. Ihre Schwestern Elsa und Maura kommen sie auf der kanarischen Insel La Palma besuchen, um die geerbten Ländereien unter sich aufzuteilen. In einem wohltemperierten Wechselspiel aus inszenatorischen Setzungen und intimen dokumentarischen Blicken lässt der Film die Körper der drei Frauen mit der Umgebung verschmelzen. In ihren Gesichtern spiegeln sich Erinnerungen, unauflösliche Konflikte, Zuneigung und das Vergehen der Zeit gleichermaßen wider. Im Verlauf entsteht durch die verschiedenen Perspektiven und Lebenswirklichkeiten der Schwestern ein mosaikartig zusammengesetztes Bild: eine poetische, emotionale Erzählung über die Leben, die Körper und die Heimat der Geschwister. (mr)

Ihre Reise in die abgelegene Region »Obsthof« im Südwesten der chinesischen Provinz Sichuan wird zu einer Spurensuche der Geschichte ihres Heimatortes. Während der Kulturrevolution ein Arbeitslager, erlebte der Ort mehrere Überschreibungen, wurde in den Folgejahren zum Gefängnis mit Obstanbau und schließlich zu einem Drogentherapiezentrum. Einige ehemalige Häftlinge, zu denen auch Xus Vater gehört, leben noch immer in den Ruinen des Unterdrückungsapparats. Nana Xu nähert sich den in die zeitlichen Schichten eingeschriebenen Schicksalen und entwickelte eine beeindruckende Arbeit gegen das Verdrängen und Vergessen. (mr)

Hier probt die NATO seit Jahrzehnten geheime Manöver, das Betreten des Militärgeländes ist streng verboten. Auch für Villen und Ferienhäuser wurden den Sard*innen kontinuierlich Land und Strand abgekauft und die Schönheit der Gegend ist beliebte Kulisse für Werbeaufnahmen bekannter Luxusmarken. Emerson Culurgioni und Stefanie Schroeder beschäftigen sich »as independent documentary filmmakers« formal mutig und anarchisch-humorvoll mit der Insel, ihren Bewohner*innen und deren Geschichten. Gestohlener Sand (unter Verdacht: Silvio Berlusconi), Besitzansprüche an Dünen, fiktive Szenarien und der Widerstand einer Gemeinschaft – »Fuck Temptation Island«. (af)

Dort befindet sich das Festivalzentrum mit Infocounter, dort besuchen wir die Vormittagsveranstaltungen, essen zu Mittag in der cantina fux & ganz, gehen in die fux Lichtspiele und feiern die Nächte im Festivalclub SLOT. Moment – In diesem Jahr verbringen wir dort nicht nur die Nächte, sondern richten im SLOT erstmals auch ein Kino ein. Im neuen »Clubkino« präsentieren wir von Mittwoch bis Freitag Musikfilme, am Mittwoch ein Solokonzert von Barbara Morgenstern und ein an die Filme anschließendes Musikprogramm. Am Samstag gibt es im SLOT dann tanzbare Sounds zwischen Hip-Hop, R ’n’ B und Middle Eastern Grooves mit Sega Lee und Tutku. Bis gleich, im SLOT Clubkino und an der Bar!

> Barbara Morgenstern und die Liebe zur Sache

> The Cry of Jazz

> monks – the transatlantic feedback

Dann ins Studio, mit dem Label an die Öffentlichkeit, auf die Bühne vor das Publikum. Die Produktion eines Musikalbums ist ein kleinteiliger und vielschichtiger Prozess. Ein stetiges Arrangieren, Aushandeln und Vermitteln. Ohne die Liebe zur Sache, die sich Barbara Morgenstern (die Musikerin) und Sabine Herpich (die Filmemacherin und Schwester im Geiste) teilen, geht es nicht. Künstlerische Arbeitsprozesse sind etwas, für das sich Herpich als teilnehmende Beobachterin bereits seit längerer Zeit interessiert. ›Ein Bild von Aleksander Gudalo‹ oder ›Kunst kommt aus dem Schnabel wie er gewachsen ist‹ stehen für ihre konsequente und beharrliche Herangehensweise an eine kollaborative dokumentarische Filmarbeit auf Augenhöhe. (bs)

> The Cry of Jazz

> monks – the transatlantic feedback

Was auf den ersten Blick völlig disparat erscheint – Kompositionen aus Einzelbildaufnahmen, Spielfilme zu queeren und urbanen Themen, strenge Porträts von Gebäuden, zeichnerische Kartografien einer albtraumhaften Gegenwart –, bleibt gedanklich und ästhetisch bemerkenswert konsistent. Es lässt sich beispielsweise von den phänomenologischen Ideen des Verhältnisses von Blick, Kamera und Raum, wie sie sich in der Trilogie ›Schenec-Tady‹ (1972–1975) niederschlagen, ein Bogen zu dem Monolog der (fiktiven) Kamerafrau in ›The Suit‹ (2024) spannen. Im Gespräch sollen einige Grundprinzipien der filmischen und zeichnerischen Arbeit erörtert werden. Gerade auch mit Blick auf die beiden Filme, die im diesjährigen Programm Premiere feiern, lohnt es sich, die komplexe Beziehung von Zeichnung und Film zu erkunden. Auf Grundlage der »Tagebücher«, die keine Alltagserlebnisse aufzeichnen, sondern sprachliche und bildliche Abfälle einer monströsen Welt sammeln, entstehen intelligent kadrierte Bildwelten, manchmal ohne Worte, manchmal von wie Vitriol ätzenden Sätzen begleitet. Besondere Beachtung verdienen die Motive Krieg und Gewalt. Sie sind in der Serie von Zeichnungen ›The Basis of Make-Up‹ überall greifbar, ziehen sich aber auch durch die Spielfilme und rücken spätestens mit ›The Airstrip‹ (2014), ›Die letzte Stadt‹ (2020) und ›Schlachthäuser der Moderne‹ (2022) in den Vordergrund. Die Dichterin Lyn Hejinian schrieb, die Politik des Schwierigen könne sich nur vor dem Hintergrund des Grausamen ausbilden. (asc)

> Innsbruck, 6. März 2023

> NYC, October 10, 2022

In dieser spiegelt sich ihre Faszination für die Natur und diejenigen, die ihr Leben dem Studium dieser widmen. Mit einem 16mm-Filmteam bilden sie eine Gemeinschaft, die dem Paläobotaniker Mark Brown entlang der Normandieküste auf der Suche nach endemischen Pflanzen folgt und der man sich gern anschließt. Es reicht nicht aus, Pflanzen zu fotografieren, erst wenn man sie filmt, erfasst man ihre Seele, erklingt Browns sanfte Stimme. Sein Leben hat er der Wiederherstellung eines Urwalds in seinem Garten gewidmet. ›7 Walks with Mark Brown‹ changiert zwischen aufmerksamer Naturbeobachtung, charmant unaufdringlichem Lehrfilm, entschleunigtem Roadmovie und softer Utopie. Ein filmisches Herbarium und zugleich sein eigenes Making-of. (bs)

Auf einem Tischchen liegen der Reisepass des Filmemachers, seine Schlüssel, sein Tagebuch. Ein Laptop auf dem Bett zeigt einen Film aus dem Jahr 1934: Karl Kraus liest seinen berühmtesten Text, ›Reklamefahrten zur Hölle‹ (1921). Er handelt von einem Schnäppchen der Basler Nachrichten, die Zeitung bietet »Schlachtfelder-Rundfahrten« in Verdun »zum ermäßigten Preis«. Emigholz’ Kamera blickt aus dem Fenster, ein Container trägt die Aufschrift der Firma Raven. »Draußen sind sie unbegraben, / da sind Raben Generale!« (Kraus, ›Die letzten Tage der Menschheit‹, 1918). Eine bittere und sehr persönliche Reflexion über Krieg mitten im Krieg. (asc)

> Werkstattgespräch Heinz Emigholz

> NYC, October 10, 2022

Aus diesem Anlass gibt der Comiczeichner Art Spiegelman (›Maus‹) eine faszinierende Einführung in den frühen Zeitungscartoon, der Gustons Ikonografie stark beeinflussen sollte: Ein bewegliches und mehrfach codiertes Set ganz simpler Figuren und Muster ist in der Lage, rassistische und sexistische Stereotypen zu unterlaufen. Das war schon die Geschichte von ›Krazy Kat‹, gezeichnet von George Herriman, von dem in den USA niemand wissen durfte, dass er kein »Weißer« war, und das ist die Geschichte des aus jüdischer Familie stammenden Guston, der vor allem in seinem Spätwerk auf comichafte Weise Themen wie die Schoah oder die Amtszeit Richard Nixons behandelt. (asc)

> Werkstattgespräch Heinz Emigholz

> Innsbruck, 6. März 2023

»Warum soll ich im TV Lügen verbreiten, wenn wir es im Leben akzeptieren?«, sagt sie und will, dass die Menschen in ihren Liebesgeschichten träumen können und trotzdem die Umstände des Alltags nicht beschönigt werden. Das hat sie mit Kristina Konrad gemein. In ›Als wir glücklich waren und es nicht wussten‹ setzt die Filmemacherin dieser schlagfertigen, tiefgründigen und ziemlich charmanten Frau ein Denkmal und bleibt doch bei den wesentlichen Dingen: ihrem Sohn in Dänemark, dem Schreiben als bescheidene Alltagsverrichtung und hitzig geführten Debatten über Kuba und Brechts Dramentheorie. Dabei wird eines im Laufe des Films immer klarer: Wenn Brecht noch leben würde, dann würde er wie Maité Vera Telenovelas schreiben. (ab)

> Werkstattgespräch Kristina Konrad

> Nuestra América

> Tempi Passati – Die Zeit, die bleibt

> Diego

> Kristina Konrad im B-Movie: Fortführung der Positionsveranstaltung

Die Bilder schieben sich über andere Bilder, eine grüne Couch wird zur Skulptur, Familienfotografien zu Silhouetten. Eine autobiografische Stimme aus dem Off beginnt zu sprechen. Der Raum faltet sich und der bürgerliche Hintergrund bekommt Risse. Ein Abgrund tut sich auf: »Kurz dachte ich, ich könnte es mir einfach machen. Ich könnte den Bericht der psychiatrischen Klinik einfach vorlesen. Die Patientin berichtet, dass sie vom 11. bis zum 15. Lebensjahr von ihrem Vater sexuell missbraucht worden sei.« Was folgt, sind Fragmente eines Lebens mit den Auswirkungen der Gewalt beim Versuch der Bewältigung. Ein Film als notwendige Zumutung und herausragende künstlerische Auseinandersetzung mit der eigenen gewaltdurchlebten Biografie. (bs)

Aus dem Off liest eine weibliche Stimme vor – Briefe an Salma Paralluelo, an Jennifer Hermoso. Wer? Genau, die Fußballerinnen. In den Briefen berichtet sie, wie sie das Fußballschauen für sich entdeckt und von dem ersten Spiel, das sie gesehen hat. Das Ticket war gar nicht teuer. Wieso nicht? Ach, das ist eine lange Geschichte. Der Film erzählt sie in 11 Minuten und lässt dabei nichts Wichtiges aus. Das ist witzig, obwohl es traurig ist, und am Ende des Films haben die Zuschauer*innen hoffentlich das erlebt, was Fußball für viele Menschen ausmacht: sie haben gelacht, geweint, geschrien, sich solidarisiert und sind wütend. Lasst uns darauf bitte eine Getränkepackung zertreten. (as)

Auf ihrer filmischen Reise vom Wiener Naturkundemuseum über eine bolivianische Salzwüste in die virtuelle Welt von »Red Dead Redemption« treffen Philipp Hartmann und Filmkritiker Roger Koza auf Freund*innen, Filmemacher*innen und Expert*innen aus verschiedenen Ländern. Sie philosophieren über den Versuch, Natur darzustellen und verbinden sich über ihre Liebe zum Kino. Spielerisch verwebt Hartmann dabei Kunstgeschichte und Kolonialismuskritik, Ersponnenes und Faktisches. In seiner offenen, kollaborativen Form lässt der Film sich von seinen Protagonist*innen leiten, und so wird die vor Ideen sprudelnde, mosaikhafte Erzählung ganz nebenbei zur Manifestation von Freundschaft und Cinephilie. (ek)

Wie im Setting eines brechtschen Lehrstücks und ungewöhnlich kontrovers diskutiert eine multiethnische Gruppe Fragen kultureller Aneignung. Der essayistische Teil des Films erzählt die Geschichte des Jazz sowie seine elementare und exklusive Bedeutung für Schwarze Identität in den USA. Zur Musik des frühen Sun Ra sind dokumentarische Aufnahmen Schwarzen Lebens in Chicago zu sehen. Auf dem Premierenplakat von 1959 heißt es: »See the most controversial film since ›Birth of a Nation‹«. Der Diskurs, der hier verhandelt wird, ist überraschend aktuell und lässt sich problemlos auf zeitgenössische Popmusikgenres beziehen. (teg)

> Barbara Morgenstern und die Liebe zur Sache

> monks – the transatlantic feedback

Zunächst mit Worten – bei einem Gespräch über die Rolle der Frau oder in Familiennarrativen einer Geburtstagsansprache. Und zunehmend in bewusst schweigsamen Beobachtungen – bei der Reinigung einer Wurstschneidemaschine oder mühsamer werdenden Handgriffen, die zu Haltegriffen des langsam entschwindenden Alltags werden. Geduldiges Hinschauen und Zuhören, ein Gespür für Momente, in denen etwas aufscheint, eine empathische und engagierte Nähe – was die Haltung und Methode von Konrads Filmen ausmacht, findet in dieser Begegnung zwischen Mutter und Tochter zu einer filmischen Konzentration, die etwas von der Essenz der vergehenden Existenz spürbar macht. Ein in Thema und Form konsequentes und sensibles Alterswerk. (ph)

> Werkstattgespräch Kristina Konrad

> Cuando éramos felices y no lo sabíamos

> Nuestra América

> Diego

> Kristina Konrad im B-Movie: Fortführung der Positionsveranstaltung

einen von der Apartheidsregierung geschaffenen »unabhängigen Staat«, der Schwarze Südafrikaner*innen unter dem Vorwand der Selbstbestimmung segregierte. Milisuthando Bongela-Davis, dort 1985 geboren, reflektiert ihre Kindheit in der Schwarzen Mittelschicht ohne weiße Einmischung – eine vermeintliche Idylle, die sich als Illusion entpuppte. In einer subversiven Montage aus Archivbildern, persönlichen Gesprächen und spirituellen Elementen hinterfragt sie historische Narrative und ihre eigenen Erinnerungen. Dabei reflektiert sie die Auswirkungen, die das Gift der Apartheid auf drei Generationen ihrer Familie und die Beziehungen zu ihren weißen Freund*innen hat. (aa/teg)

ist ›Das Deutsche Volk‹ ein Film, der stets an der Seite der hinterbliebenen Familien und Überlebenden bleibt. Durchzogen von Begegnungen mit politischen Vertreter*innen, gibt er dem Schmerz der Betroffenen Raum und bezeugt ihren Kampf um Konsequenzen aus den rassistischen Morden. Dass das – fünf Jahre später und vor dem Hintergrund der aktuell in diesem Land grassierenden Debatten um Zugehörigkeit – notwendiger denn je erscheint, ist der eigentliche Skandal im Nachgang des Anschlags. Und so wird die im Filmtitel adressierte Zielgruppe durch die Montage immer wieder stark herausgefordert, sich mit den eigenen, tief verwurzelten Vorurteilen zu befassen. (mg)

30 Jahre später lässt Gerd Kroske in einer schlichten wie berührenden Splitscreen-Montage, die das Heute dem Damals gegenüberstellt, die Frauen berichten und erklären, zuspitzen und einordnen. So verweben sich unter anderem die Erinnerungen einer Bergfrau, einer Maschinistin, einer Chemikerin und einer Lokführerin zu einer diskrepanten Kollektiverzählung von Lebensrealitäten der DDR und der Nachwendezeit, die jeglicher Generalisierung widersteht. Ob als Abgesang auf den Kohleabbau, als Würdigung industrieller Schwerstarbeit, als Beobachtung eines Milieus, als kaleidoskopisches Abbild weiblicher Biografien oder als provozierende, alternative Geschichtsschreibung. Wir sollten ihnen zuhören. (ab)

Er konfrontiert uns mit Menschen, die in den Kriegsgebieten zurückgeblieben sind, die nicht wissen, wohin sie fliehen sollen oder es aus eigener Kraft nicht schaffen. Und mit den Toten. Während ein Netzwerk von Freiwilligen die Alten und Kranken evakuiert, bergen forensische Teams die Körper der Gefallenen und bringen sie zurück zu ihren Familien. Die Kamera bezeugt diese Handlungen. Was wir sehen, bringt uns dazu, über die Grenzen des Zeigbaren nachzudenken. Hinsehen oder wegsehen, was sind die Optionen? Eine Diskussion über die Zumutbarkeit von Kameraeinstellungen wird zum Abgleich unserer Haltung mit der politischen Realität – und der Film zur Skizze eines moralischen Dilemmas. (mg)

ebenso genial wie unwahrscheinlich. Fünf GI-Soldaten, die Mitte der 60er-Jahre nach ihrem Dienst auf einer Army-Base in Hessen mit ihrer Coverband ein solides Auskommen haben, treffen auf zwei Absolventen der Kunsthochschulen Ulm und Essen. Es entsteht ein Manifest und ein Image: Statt langer Haare tragen sie von nun an Mönchskutten und Tonsuren. Immer. Unter dem Einfluss von Fluxus und Minimal Art werden die Songs zunehmend monotoner und repetitiver. Das einzige Album entsteht Anfang 1966. Der Film von Dietmar Post und Lucía Palacios erzählt anhand von Interviews mit den Protagonisten und umfangreichem dokumentarischen Material von der Tragik einer Band, die ihrer Zeit um mindestens zehn Jahre voraus war, vom Kalten Krieg und dem muffigen Ludwig-Erhard-Deutschland kurz vor den Umbrüchen von 1968. (teg)

> Barbara Morgenstern und die Liebe zur Sache

> The Cry of Jazz

Und doch, wenn man die Filme von Kristina Konrad sieht, erscheint genau das als etwas Außergewöhnliches. Es muss eine Qualität dahinterstecken, die besonders ihr eigen ist, eine sofort spürbare Hingabe und Großzügigkeit. Mit einem losen Auftrag des Schweizer Fernsehens zog Kristina Konrad Anfang der 80er-Jahre nach Lateinamerika, wo sie für verschiedene Freiheitskämpfe und politische Umbrüche zu einer teilnehmenden Chronistin werden sollte. Zunächst 1986 in Nicaragua mit Kämpferinnen der Sandinistischen Revolution, dann 20 Jahre später in dem neoliberal transformierten Land. Meist trifft Kristina Konrad auf Frauen, oft sind es eigensinnige Idealist*innen oder Widerstandskämpfer*innen. Die Filmemacherin findet sie häufig in Momenten des Umbruchs, an Orten, an denen ein System gestürzt wird, die Utopie einer sozialistischen Gesellschaft aufscheint oder Jahre später, wenn der revolutionäre Moment längst vergangen ist. In ihren Filmen interessiert sie sich für die persönliche, die menschliche Haltung hinter den politischen Realitäten. Und so weitet sich ihre Aufmerksamkeit auf alle aus, die ihr begegnen: Menschen auf den Straßen von Uruguay, die sie ganz nebenbei in Gespräche über das Wesen der Demokratie verstrickt; einen jungen Unternehmer in Oxford; die eigene Mutter, die sie im Altern begleitet. Die Form ihrer Filme wird immer durch ihre forschende und hinhörende Haltung, durch ihr sensibles Gespür in der Kommunikation mit Menschen und ihren Geschichten gelenkt. Wir freuen uns sehr, Kristina Konrads Filme präsentieren zu dürfen und noch mehr auf die Begegnung mit ihr, auf Gespräche über Umbrüche und Idealismus, Filmemachen und Aktivismus. (ab/ek/ph)

> Cuando éramos felices y no lo sabíamos

> Nuestra América

> Tempi Passati – Die Zeit, die bleibt

> Diego

> Kristina Konrad im B-Movie: Fortführung der Positionsveranstaltung

Sein Alltag ist durchgeplant und leistungsorientiert – Erfolg verspricht sich der Schweizer Jungunternehmer von einer Photosharing-App. Selbst in der Liebe und beim Ave Maria auf der E-Gitarre arbeitet er hart, aber auch sein ehrgeiziger »positive Approach« und der Whirlpool auf der Dachterrasse bewahren ihn nicht vor der Angst, sich selbst zu enttäuschen. Während Kristina Konrad seine neoliberal schimmernde Fassade aufmerksam beobachtet, lassen ihre Zugewandtheit und ihre charakteristisch scharfsinnigen Fragen den jungen Mann kurz innehalten. Scheint da etwas hinter der souverän performten Version seines Selbst hervor? Oder lässt sich bloß sein Bemühen um die Kontrolle der eigenen Außenwirkung erahnen? (ek)

> Werkstattgespräch Kristina Konrad

> Cuando éramos felices y no lo sabíamos

> Nuestra América

> Tempi Passati – Die Zeit, die bleibt

> Kristina Konrad im B-Movie: Fortführung der Positionsveranstaltung

Ein Jahr lang hat Rui Pires beobachtet, wie hinter den Kulissen des portugiesischen Parlaments Abgeordnete und Bürger*innen in zäher Arbeit an Gesetzen feilen. Demokratische Prozesse und die Funktionsweise repräsentativer Demokratie werden offengelegt. Das Porträt der Institution und ihrer Akteur*innen zeigt, wie Handlungen der Abgeordneten Konflikte zwischen den unterschiedlichen Vorstellungen von Gesellschaft widerspiegeln und Verbindungen zwischen den Menschen innerhalb und außerhalb des Palastes geschaffen werden. Wenn ›The Palace of Citizens‹ ein Film über Demokratie ist, dann deshalb, weil er sich viel Zeit nimmt, ihr Wesen im Detail zu erkunden. (as)

Die Kollaboration vereint das experimentierfreudige Filmschaffen der dokumentarfilmwoche mit dem genreübergreifenden Ansatz von PAPIRIPAR, der Kunst, Performance, Film, Musik und Hörspiel auf unkonventionelle Weise verschränkt. Das gemeinsame Interesse besteht in der Reflexion über dokumentarische und performative Praxis, sowie darin, die Klangerfahrung im Blackbox-Raum des Kinos zu verstärken. Der Klang, die Welt … erkundet die vielfältigen Erscheinungsformen von Klang aus akustischer und filmischer Perspektive. Das Programm präsentiert eine sorgfältig kuratierte Auswahl an Filmen (16mm und digital) von Filmschaffenden, deren Arbeiten sich durch eine außergewöhnliche Auseinandersetzung mit Bild und Ton auszeichnen. In Filmen wie ›Dresden Dynamo‹ und ›Paul Celan liest‹ wird der Soundtrack des 16mm-Films sowohl visuell als auch auditiv erfahrbar, mit gänzlich unterschiedlichen, aber gleichermaßen faszinierenden Ergebnissen. Drei der Filme – ›Anne, Richard and Paul‹, ›„Der Klang, die Welt…“‹ sowie ›N’importe Quoi (for Brunhild)‹ – porträtieren Musiker*innen, die versuchen, ihre lebenslangen Erfahrungen des Hörens und Musizierens in filmische Reflexionen zu überführen. ›Hacked Circuit‹ wiederum thematisiert die Künstlichkeit von Filmton, indem er die Arbeit eines zeitgenössischen amerikanischen Foley-Artists dokumentiert, der Geräusche für Francis Ford Coppolas Thriller ›The Conversation‹ nachsynchronisiert – einer der wenigen Hollywoodfilme, die das erzählerische Potenzial von Klang konsequent ausloten. Andere Filme des Programms verzichten vollständig auf Sprache und laden das Publikum dazu ein, sich allein durch Klang und Bild zu orientieren und eigene Assoziationen zu entwickeln. (Luke Fowler)

Das Filmprogramm wurde ausgewählt von Luke Fowler, einem in Glasgow lebenden Filmemacher und Künstler, dessen Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ryoko Akama im Westwerk entsteht, während PAPIRIPAR (24.-27.4) zu sehen ist. Das palindromische Festival für Pop und Kunst und alles darüber hinaus Rotierende wird von Felix Kubin, Nika Son und Florian Bräunlich kuratiert. Unter dem Motto »Mehr Kunst in die Musik, mehr Musik in die Kunst« verschmelzen bekannte Disziplinen zu neuen, experimentellen Formen.

https://www.papiripar.com/de

Paul Celan liest
Ute Aurand, DE 1985, 5 min
Hacked Circuit
Deborah Stratman, US 2014, 16 min
Dresden Dynamo
Liz Rhodes, GB 1971, 5 min
QUIPROQUO
Rose Lowder, FR 1992, 13 min
Anne, Richard and Paul
Morgan Quaintance, GB 2018, 16 min
Views From Home
Guy Sherwin, GB 2005, 10 min
„Der Klang, die Welt…“
Robert Beavers, CH 2018, 5 min
N’Importe Quoi
(for Brunhild)
Luke Fowler, GB 2023, 9 min

In ›(Y)our Mother‹ begibt sie sich auf eine persönliche Reise, um die verborgenen Schichten ihrer Familie aufzudecken. Anhand von intimen Gesprächen, Sprachaufnahmen und körnigen Home- videos setzt sie die komplexe Beziehung zwischen Mutter und Töchtern zusammen. Dabei changiert der Film zwischen konfrontativen Momenten und stiller Reflexion und fängt generationenübergreifende Traumata in einer patriarchalen Gesellschaft ein, ebenso wie die zerbrechlichen und doch beständigen Familienbande. Was als Suche nach Verständnis beginnt, entwickelt sich allmählich zu einem längst überfälligen, kollektiven Dialog – über Ehe, weibliche Identität und die Bedeutung von Familie. (sas)

In der Landschaft, die Bosnien-Herzegowina und Kroatien trennt, liegen traumatische Erinnerungen des vergangenen Bosnienkriegs wie Minen begraben, während heute an der Grenze Menschen auf der Flucht gewaltsam zurückgedrängt werden. Sie hinterlassen neue Spuren im Grenzgebiet und treffen auf einheimische Bewohner*innen. Es wird Holz gehackt, Quad gefahren, eingekauft und gleichzeitig abgewartet, gehofft und der nächste Übertrittsversuch vorbereitet. Die Zeit vergeht, Jahreszeiten wechseln – alte Narben werden sichtbar und erinnert, neue entstehen. Ein kinematografischer Essay, der beobachtet und sammelt und in dem vergangene Gewalt und gegenwärtige Migration in der Landschaft zusammenkommen. (af)

Der beobachtende Dokumentarfilm beginnt »on the road« mit Klaus Wildenhahn und seinem Kameramann Frank Groth im Teambus ins bosnische Mostar. Der Antikriegsfilm begleitet den EU-Administrator in der vom Krieg erschütterten Stadt – Hans Koschnick, Bremer Sozialdemokrat und Bürgermeister a. D. Das filmische Tagebuch gibt Einblicke in die Arbeitsweise des Vermittlers, seine Gedanken und Erfahrungen. Schließlich gerät er selbst unter Granatenbeschuss und kommt nur zufällig mit dem Leben davon. Als Auskunftgeber erscheint ein zweiter Dokumentarist vor der Kamera – Pepe Danquart – der gerade ›Nach Saison‹ dreht. ›Reise nach Mostar‹ ist das Porträt eines authentischen Sozialdemokraten und die Momentaufnahme einer Zerreißprobe zwischen den Fronten. (rg)

> Nach Saison

trotzte über Jahre hinweg mehrfachen Räumungsversuchen. Heute besteht sie als soziales Experiment jenseits kapitalistischer Strukturen fort. Die Filmemacher Guillaume Cailleau und Ben Russell nähern sich dieser komplexen Realität, indem sie hierarchiefrei verschiedene Formen von Widerstand zeigen – vom Brotbacken über Pogo-Konzerte bis hin zur Pressearbeit. In langen, statischen Einstellungen auf 16mm entfaltet sich ein offene, vielschichtige Erzählung, die keine Antworten vorgibt, sondern zur eigenen Deutung anregt. Der Film ist zugleich Dokument und künstlerischer Akt – eine Reflexion über politische Kämpfe im Kino, eine cineastische Geste der Revolte. (fb)

Während die Hilfsorganisation »War Child« an vielen Ecken der Stadt unterwegs ist und Kinder zu Protagonist*innen in Trümmerlandschaften werden, besucht Brian Eno die Stadt und baut auf einen musikalischen Neuanfang. Den Erzählrahmen von Mirjam Quintes und Pepe Danquarts Film bildet indes der Wiederaufbau der zerstörten Brücke zwischen den verfeindeten Stadtteilen, die schon in ›Reise nach Mostar‹ zum Symbol wurde. Der Schwarz-Weiß-Film ist ein poetisches Stadtporträt, das geduldig den Geschichten der Menschen zuhört und von dem Versuch berichtet, eine Stadt wiederzubeleben. (rg)

> Reise nach Mostar

Konrad Siegers, der Vater des Filmemachers, ist an der neurodegenerativen Krankheit ALS erkrankt. Er spricht ein Konvolut von 3.000 Worten in einen Sprachcomputer ein. »Himmel. Dorf. Straße. Garten. Hecke. Rollladen. Eigenheim.« Diese Begriffe führen uns direkt in das Setting, in dem der Film angesiedelt ist: ein Einfamilienhaus mit Garten. Eine Affinität zu technischen Geräten. Der Ingenieur erzählt, warum ihm das Bewahren seiner eigenen Stimme wichtig ist. Eine familiäre Nähe wird spürbar. Die Stimme des Vaters, während des Heimwegs auf dem Anrufbeantworter hinterlassen, wird schließlich durch den Sprachcomputer als digitales Simulakrum überdauern. (jk)

Dabei wird eine Sprache (Englisch) in das Zeichensystem einer anderen (Mandarin) übertragen. Während die Großmutter den Sinn der Worte nicht versteht, wird das Publikum Zeuge von Xues Offenbarungen ihrer Gefühlswelt. So wird die Großmutter im Film zum Medium, um den unüberbrückbar scheinenden Differenzen von Identität und Zugehörigkeit sowie Xues Verlustängsten einen Raum zu geben, aber auch um die Stimmen der Vergangenheit im Jenseits zu befrieden. Die codierte Sprache wird dabei Ausdruck des Nicht-Sagbaren und befreiende Aussprache zugleich. ›O Ma‹ ist aber auch eine Dehnung von Zeit und des gemeinsamen Erlebens von Großmutter und Enkelin im Angesicht der Vergänglichkeit. (jk)

Meist allein filmend, die gemeinsame Sprache als Brücke, gewährt die Langzeitbeobachtung einen tiefen Einblick in ihren schwierigen Alltag voller Ungewissheit. Es ist ein intensiver und empathischer Blick, der Trauer und Schmerz um den Verlust der Heimat und die Trennung von den Lieben einfängt, aber ebenso der Hoffnung und humorvollen Momenten Raum gibt. Mehdi Sahebi erinnert uns in dieser Zeit des polemischen Sprechens über Migrationszahlen mit großer Warmherzigkeit daran, dass es um Menschen geht und ihre individuellen Schicksale. (tg)

leiten sie jedoch auch wieder aus dem Gebäude hinaus. Letzteres wäre im Sinne der Pensionskasse der Credit Suisse, denn sie hat den Großteil der bestehenden Mietverhältnisse gekündigt. Die intakte Anlage soll einem urbaneren Neubaukonzept weichen. Die profitorientierte Logik dahinter ist nicht schwer zu verstehen, doch akzeptieren wollen das die übrig gebliebenen Mieter*innen nicht. Der Film beobachtet die voranschreitenden Wandlungsprozesse des Lebensraums und begleitet auf verspielte Weise die Bewohner*innenschaft beim schmerzlichen Erinnern, ihrem nachbarschaftlichen Alltag, in der belastenden Ungewissheit und ihrem Kampfgeist, gemeinsam für die eigenen Interessen einzutreten. (mr)

Programmauszug:

Do 24.4. | 18.30 Uhr
Das Tribunal – Mord am Bullenhuser Damm
Lea Rosh, BRD 1986, 148 min

Fr 25.4. | 19 Uhr
Wir dürfen es nicht vergessen
Thorsten Wagner, DE 2024, 74 min

Sa 26.4. | 19 Uhr
Pizza in Auschwitz
Moshe Zimmermann, IL 2008, 65 min

So 27.4. | 20 Uhr
Hammerbrook Blues
Louis Fried, DE 2023, 65 min

Der einzige private Asylanwalt in der Gegend, Marty Rosenbluth, setzt sich mit seiner Assistentin Alondra Torres für die Rechte der Inhaftierten ein. Der Film begleitet ihren Kampf gegen eine inhumane, systematische Ungerechtigkeit.

dokumentarfilmwoche × Metropolis Kino

Im April eröffnet das Metropolis Kino mit einem Pop-up-Cinema seinen zweiten Kinosaal im Planet Harburg – der neuen Museumsdependance des Archäologischen Museums Hamburg und des Stadtmuseums Harburg. Wir freuen uns sehr, dort nach unserer Festivalwoche wieder zurück im Kino zu sein und die Hamburgpremiere des Films ›An Hour from the Middle of Nowhere‹ von Ole Elfenkaemper und Kathrin Seward in Anwesenheit der Regisseurin und gemeinsam mit dem Metropolis Kino zu präsentieren.

Wir beginnen mit ›Große Freiheit Kleine Freiheit‹, der Inge Viett und Maria Barhoum folgt, die in den 60er-Jahren in Deutschland und Uruguay für revolutionäre Veränderungen kämpften. Im Anschluss erzählt ›Cada Día Historia‹ die Vorgeschichte zu ›Nuestra América‹ und betrachtet Nicaraguas Revolution aus der Sicht von Frauen und Müttern. Abschließend am Sonntag macht ›Unas Preguntas‹ in Straßengesprächen im Uruguay der 80er-Jahre die Schwierigkeiten der wiedererlangten Demokratie eindrücklich erlebbar. Mehr Infos unter: www.b-movie.de

Sa 10.5. 19.30 Uhr
Große Freiheit Kleine Freiheit
Kristina Konrad, DE 2000, 83 min, Dt./Span. OmeU

Sa 10.5. 22 Uhr
Cada Día Historia
Gabrielle Baur, Kristina Konrad, CH/NI 1986, 78 min, Span. OmeU

So 11.5. 17 Uhr
Unas preguntas
Kristina Konrad, DE/UY 2018, 237 min, Span. OmeU